Le tumulte politique de l’Allemagne des années 1920 a contribué à donner naissance à un nouveau genre de cinéastes : les expressionnistes du cinéma de Weimar. L'industrie cinématographique européenne naissante a été dévastée par la Première Guerre mondiale, permettant aux États-Unis de dominer la production cinématographique d'après-guerre. Mais les films américains d’après-guerre étaient plus préoccupés par le volume et le profit que par l’art ou le style. Hollywood produisait environ 800 films par an dans les années 1920, pour la plupart des longs métrages légers comme des comédies burlesques, des drames romantiques ou des films d'aventures captivants. Ils étaient extrêmement populaires auprès du public cinématographique, mais ils n’ont pas fait grand-chose pour repousser les limites du média.
Les cinéastes allemands ont emprunté une voie différente, en grande partie par nécessité. L'instabilité politique et sociale de l'Allemagne de Weimar, sans parler de ses difficultés économiques, ont eu un profond impact sur la culture allemande d'après-guerre. Un nouveau mouvement culturel émerge, décrit plus tard comme l’expressionnisme allemand. Cela était particulièrement évident dans le cinéma, qui s'est rapidement redressé dans les années 1920, alors que les Allemands ordinaires cherchaient à s'évader et à se divertir à bas prix. Incapables de se permettre les décors immenses, les costumes somptueux et les nombreux accessoires des films hollywoodiens, les cinéastes allemands ont cherché de nouvelles façons de transmettre l'atmosphère, l'ambiance et l'émotion. Ils ont également exploré des thèmes bien plus sombres qu’Hollywood : le crime, l’immoralité, la décadence sociale et les pouvoirs destructeurs de l’argent et de la technologie. L'expressionnisme allemand a donné naissance à deux nouveaux genres cinématographiques : le film d'horreur gothique et film noir (thrillers de crime qui explorent les aspects les plus sombres du comportement humain).
Certains des films expressionnistes allemands les plus connus ont été:
Le cabinet du docteur Caligari (1920). L'un des premiers films d'horreur de l'histoire, Le cabinet du docteur Caligari raconte l'histoire d'un mystique du spectacle et de son acolyte de scène, un somnambule capable de prédire l'avenir. Le film a largement utilisé la lumière, l'ombre et les styles artistiques expressionnistes dans ses décors et ses toiles de fond. Il comportait également une fin « twistée », peut-être la première dans l’histoire du cinéma, avec toute l’histoire révélée être le flash-back délirant d’un patient mental.
Nosferatu (1922). Sous-titré Eine Symphonie des Grauens ('Une symphonie de terreur'), Nosferatu fut le premier film d'un genre aujourd'hui assez courant : le film de vampire. Nosferatu est apparemment un récit de Bram Stoker Dracula, bien que les noms des personnages aient été modifiés (le réalisateur FW Murnau n'en détenait pas les droits). Tourné avec un budget limité avec une seule caméra, Nosferatu utilise la lumière, l'ombre, le temps, le mouvement et le suspense pour décrire l'horreur, plutôt que des décors ou des effets spéciaux complexes. Le personnage principal, le vampire Orlok, est présenté comme une créature répugnante ressemblant à un rat, plutôt que comme les vampires aristocratiques bien parlés des futurs films.
Fantôme (1922). Un autre film de FW Murnau, Phantom n'a pas eu autant de succès ni aussi connu que Nosferatu. En Phantom, la vie du personnage principal Lorenz est irrévocablement changée par l'aperçu d'une femme et l'attrait destructeur de l'argent. Lorenz commence à rechercher la femme, une démarche qui mène à de grosses dépenses, à des dettes, à des crimes et à des meurtres. Raconté en flash-back, Phantom utilise des techniques expressionnistes (telles que la double exposition) pour transmettre la confusion et l'effondrement des émotions de Lorenz. Dans la scène la plus mémorable, les bâtiments semblent s'incliner sur Lorenz, l'étouffant et menaçant de s'effondrer.
Le dernier rire (1924). Un autre film de Murnau, le personnage principal de The Last Laugh est un portier à l'hôtel Atlantic, qui, après des années de service, est rétrogradé au rôle subalterne de préposé aux toilettes. Embarrassé par la perte d'un poste prestigieux, il cache la nouvelle à sa famille et à ses amis. Ils le découvrent cependant et le ridiculisent. Murnau a utilisé de manière créative les angles de caméra et le mouvement dans Le dernier rire. Les premiers plans sont filmés depuis des perspectives basses, ce qui donne l'impression que l'hôtel et son portier sont grands et importants. Plus tard, la caméra est montée sur une balançoire et semble flotter dans les airs. L'histoire est également racontée entièrement sans cartons de titre, ce qui est la première fois dans un film muet.
Métropole (1927). Probablement le film expressionniste allemand le plus connu, Métropole est en partie une science-fiction et une allégorie sociale. Il dépeint une société future dans laquelle les citoyens ont été divisés en deux classes distinctes : l’élite, qui profite d’une vie de loisirs au soleil, et les travailleurs, qui travaillent de manière monotone sous terre. L'intrigue est centrée sur deux femmes : la compatissante Maria, qui veut réconcilier les ouvriers avec la classe dirigeante ; et le robot Hel, qui est programmé pour détruire la ville. Métropole était un projet incroyablement ambitieux pour son époque. Cela a coûté environ cinq millions de marks, il a fallu plusieurs mois pour filmer et utilisé jusqu’à des suppléments 300. Il s'est avéré impopulaire auprès des cinéphiles, mais a été applaudi par la critique et est considéré comme un précurseur des films de science-fiction modernes.
M (1931). Également réalisé par Fritz Lang, M avait un scénario extraordinaire pour l’époque. Hans Beckert (joué par Peter Lorre) est un pédophile et tueur d'enfants, poursuivi à la fois par la police et par la pègre berlinoise. Il est d'abord arrêté par les escrocs de la ville et subit un procès simulé. Face à ses ravisseurs, Beckert explique ce qui le pousse à commettre ses crimes, en demandant : « Qui sait ce que ça fait d'être moi ? M non seulement il a utilisé des styles expressionnistes, mais il a également introduit des techniques cinématographiques qui sont encore utilisées aujourd'hui dans les films policiers.
Le cinéma expressionniste allemand allait influencer le cinéma du monde entier, y compris aux États-Unis. En 1923, les studios Universal d'Hollywood produisaient leur premier film d'horreur acclamé, Le Bossu de Notre Dame, avec Lon Chaney dans le rôle de Quasimodo. Le réalisateur, Wallace Worsley, avait déjà produit des dizaines de drames et de comédies légères – mais il en est venu à admirer et à emprunter beaucoup aux réalisateurs allemands, en particulier à Murnau. Les futurs films hollywoodiens ont également utilisé des thèmes et des techniques expressionnistes, notamment fantôme de l'Opéra (1925) Le monstre (1925) et les films de vampire Londres après minuit de Géographie (1927) et avec la Dracula (1931). Certains réalisateurs allemands ont traversé l’Atlantique et ont fait leur marque à Hollywood. Paul Leni se rend aux États-Unis en 1927 à l'invitation des studios Universal, pour lesquels il réalise plusieurs films. Le meilleur d'entre eux, Le chat et le canari (1927) combinait le contraste et le style élevés de l’expressionnisme allemand avec les conventions cinématographiques américaines. Fritz Lang, le directeur de Métropole, a fui l’Allemagne en 1934 (Lang était partiellement juif et certains de ses films n’étaient pas populaires auprès de la hiérarchie nazie). Il finit par atterrir à Hollywood, où il devint citoyen américain et réalisa de nouveaux films 21.
1. Les perturbations sociales et les pénuries économiques de Weimar ont donné naissance à l'expressionnisme dans le cinéma allemand.
2. Ne pouvant se permettre de grands castings ou décors, les réalisateurs ont recherché différentes techniques pour restituer le style, le caractère et l'émotion.
3. Les cinéastes expressionnistes s'intéressaient à des intrigues et à des thèmes plus sombres, notamment l'horreur et le crime.
4. Les réalisateurs expressionnistes ont également manipulé des éléments techniques, comme la lumière, le contraste, les angles de caméra et le mouvement.
5. Ces réalisateurs et leurs innovations ont influencé les studios de cinéma les plus riches et les plus prolifiques d’Hollywood.
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Cette page a été écrite par Jennifer Llewellyn, Jim Southey et Steve Thompson. Pour référencer cette page, utilisez la citation suivante:
J. Llewellyn et al, « Weimar cinema », Alpha History, 2014, consulté le [date d'aujourd'hui], http://alphahistory.com/weimarrepublic/weimar-cinema/.